Shanghai express (von Sternberg, 1932)

¡Pasajeros al tren! Y vemos a los afortunados pasjeros de primera clase. Cada uno está retratado como si se fuera a contar su historia: desde la anciana mujer del perro, el enfermo y cascarrabias alemán, el clérigo… Pero toda la película parece construída para el lucimiento de Marlene Dietrich. El director Josef von Sternberg se prodiga en hermosos planos simplemente para realzar a su diosa. La historia de los rebeldes chinos consigue crear un ambiente de intriga reforzado por esos planos perfectamente construidos en los que se mezclan las sombras y las luces. Las líneas del tren y sombras de los soldados concuerdan perfectamente con esas apariciones estelares de Madeleine como recién salida de un cuadro expresionista alemán. Las plumas, brillantes y vestidos largos la convierten en una figura que se desliza como flotando. La historia queda quizás sin el brillo que podía haber tenido, por el excesivo destello de Dietrich. La hermosa fotografía consigue resplandecer en ocasiones, pero la actriz consigue deslumbrarnos, hiriendo un poco los ojos. Una luz demasiado brillante.

Los peces rojos (Nieves Conde, 1955)

 Estamos acostumbrados a las películas de intriga con giros sorprendentes. En la España de los años 50 quizás esto no fuera tan común. El guión de Carlos Blanco consigue atrapar al espectador durante toda la película llegando a un inesperado final. Quizás ahora nos parezca sospechoso no ver a Carlos durante tanto tiempo. Lo esperamos con ansia, pero hay un punto en que empezamos a dudar… Como ya he dicho, hemos visto demasiadas películas de finales sorprendentes, y ya nos lo olemos. Pero esta película es bastante adelantada para su tiempo al jugar con esos recursos.

Una pareja y el hijo de él van a un hotel de Gijón. El hijo tiene un accidente y muere. Ese es el punto de partida de la película, pero los derroteros que luego toma son bastante sorprendentes.

Los peces rojos es una película muy cuidada visualmente, hasta poder pensar que se trata de una obra salida de los estudios de Hollywood. Mantiene la esencia española con los números musicales, pero la fotografía recuerda a obras del cine negro americano. Las composiciones están cuidadas y consiguen transmitir las sensaciones internas de los personajes. El acertado uso de los ángulos y planos resulta muy atractivo y consigue hacer de esta película española, una película a considerar.

Os dejo una escena un tanto peculiar de la película:

There be dragons (Roland Joffé, 2011)

There be dragons es la última película de Roland Joffé, el director de La Misión o Los gritos del silencio. La película narra varias historias cruzadas. Un periodista está investigando sobre San Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei, y descubre que estuvo en el seminario con su padre, con quien no habla desde hace unos años. Buscando la vida del santo, acaba conociendo a su padre. Las historias del pasado de San Josemaría y Manolo (el padre del periodista) están perfectamente ambientadas en las distintas épocas: Desde la infancia en un pueblecito aragonés, hasta la vida en Madrid en tiempos de la Guerra Civil española.

La película es un tanto compleja pues toca temas de bastante calado. La película que podría resultar una historia de aventuras ambientada en la guerra civil, es una profunda reflexión sobre el perdón. Los personajes están tratados con gran profundidad, mostrando los dilemas internos de cada uno. Me parece un acierto mostrar a San Josemaría de forma muy humana. Es semejante al tratamiento de los personajes de La Misión, con sus dudas, caídas y desconsuelos. Me encanta la escena del seminario en la que Josemaría responde a unas palabras insultantes con unos buenos puñetazos. Pero la escena que más me ha gustado es esa en la que tras presenciar el asesinato de un sacerdote en plena calle, los jóvenes del Opus Dei que convivían con Josemaría se rebelan y enfadan. Josemaría les hace ver que ellos harían lo mismo con esas personas y que lo harían con gusto. Pero no les dice esto como quien adoctrina desde un púlpito, ni como quien no tiene sentimientos, porque acto seguido se pone a llorar como un niño. También me encantó la escena del Metro.

Me gusta mucho también el personaje de Manolo, lleno de odio y, en el fondo, miedos. Me gusta cómo desde su personaje se muestra la guerra civil sin partidismos. Nos muestra los efectos y motivaciones de ambos bandos y, me parece, consigue hacer ver lo humano que hay tras cada guerra. No hay buenos ni malos, solo personas que luchan por la causa que creen justa.
Visualmente la película está cuidada al detalle. La ambientación está perfectamente conseguida. Consigue meternos en las tres épocas retratadas con un gran detallismo y elegancia visual. Lo único que rechina un poco de la decoración artística es el diseño del hospital que parece una nave espacial. Pero me ha parecido que todos los detalles, las pequeñas piezas de decoración, el vestuario... están muy logrados. Me gusta también la fotografía, aunque, quizás se intente impresionar demasiado con los movimientos de cámara. La película utiliza mucho el recurso de los cristales y espejos desde donde vemos la acción. También creo que destaca la introducción de la película con su cartografía y un montaje sonoro exquisito.

Ayer comentaba una amiga mía que no le convencía el título de la película pues puede llevar a engaños sobre el género del film. Aunque tiene un significado profundo y que se explica bastante, estoy de acuerdo con mi amiga, e incluso pienso que todo el "juego de los dragones" no está demasiado integrado en la totalidad de la historia. El personaje de Abileyza (Geraldine Chaplin) me parece encajado con calzador para explicar el título de la película. No me parece que aporte demasiado a la historia y me da sensación de que han puesto a esa actriz un poco de relleno con caras conocidas, como le sucedía en la película El orfanato.  Otra cosa que me parece un fallo es la calificación por edades de la película. Se ha presentado como una película para mayores de 7 años. Creo que la historia, el tema y la relación de los personajes es demasiado compleja y "adulta" como para niños de 7 años. Además contiene bastante violencia.


Encontrarás dragones me ha hecho reflexionar sobre esa capacidad del cine de hacer visual, y visible, lo íntimo, lo interno, lo invisible. Adaptando algunos pasajes de la vida de San Josemaría, se muestra a los ojos de todos su relación con Dios, su gran cariño hacia los demás, su capacidad de perdonar. Me ha parecido un gran trabajo de adaptar un personaje real a la pantalla sin tener carácter documental sino totalmente ficcional.

Os dejo aquí el trailer y un "Behind the scenes":





Os dejo también un vídeo del protagonista de esta película: San Josemaría.

Ninteen eighty-four (1984), George Orwell.

"He took a twenty-five cent piece out of his pocket. There, too, in tiny clear lettering, the same slogans were inscribed, and on the other face of the coin the head of Big Brother. Even from the coin the eyes pursued you. On coins, on stamps, on the covers of books, on banners, on posters, and on the wrappings of a cigarette packet- everywhere. Always the eyes watching you and the voice enveloping you. Asleep or awake, working or eating, indoors or out of doors, in the bath or in bed - no escape. Nothing was your own except the few cubic centimeters inside your skull."

Es un fragmento de Ninteen eighty-four de Orwell escrita en 1949. Una novela escalofriante. Gran Hermano controla todo. Cada hogar, cada calle, cada habitación cuenta con una pantalla a través de la que todo es observado. Todo y todos. Nadie escapa a la vista de Gran Hermano. Cualquier gesto que haga pensar que se está en desacuerdo con la política del Partido te lleva a un destino incierto. Nadie habla, nadie piensa. Incluso los pensamientos pueden manifestarse exteriormente. El amor está prohibido. Libertad es esclavitud, la guerra es paz. Pero Winston Smith piensa. Y encuentra a una mujer que también piensa. Ambos se rebelan. No hacia fuera sino con su pensamiento y sentimientos. Son la resistencia, son libres. Hasta que son descubiertos. La parte tras la detención es asfixiante y provoca una gran ansiedad. Gran Hermano no elimina a los rebeldes, les convierte en fervientes amantes y seguidores del Partido. Una lucha contra la libertad interior.

"I don't mean confessing. Confession is not betrayal. What you or do doesn't matter: only feelings matter. If they could make me stop loving you - that would be the real betrayal.'
She thought it over. 'They can't do that.' she said finally. ' It's the one thing they can't do. They can make you say anything - anything- but they can't make you believe it. They can't get inside you."

The King's speech (Hooper, 2010)

Elegante, delicado, cuidado, british. The king’s speech de Tom Hooper es una película mimada hasta en los más pequeños detalles. El guión de David Seidler nos introduce en la vida de la Corona británica de forma cálida y humana. Conseguimos conocer al rey Jorge y juzgar todos sus actos como un amigo más. Partiendo de una pequeña anécdota se llega a construir una historia conmovedora y redonda. Una historia que no tiene una gran originalidad, pero que está tratada con el cuidado de las grandes películas clásicas.

Visualmente, la película, cuenta con un gran dominio de la técnica. El gusto por el detalle, por la composición, el equilibrio de los colores… Una meticulosidad muy británica. Por supuesto mejor verla en versión original. Es un inglés de la realeza, muy correcto, por lo que es fácil seguirla. Y ese acento inglés que no solimos escuchar en las pantallas de cine resulta suave y elegante al oído.

Colin Firth (ganador del Oscar por este trabajo) borda el papel. Todo el peso de la película recae sobre los tres personajes principales, en especial sobre Firth y Goeffrey Rush. La relación que se establece entre ellos tiene fuerza y un gran atractivo. Resulta interesante la historia del mentor. Rechazado por los teatros británicos a pesar de su perfecta dicción representando King Richard. La historia no tiene grandes acciones ni sucesos, pero va avanzando con delicadeza dejando un buen gusto. 

Nostalgia de la luz. Patricio Guzmán, 2010.

Guzmán nos habla de su país, de su pasado, de su presente, de su futuro. Guzmán nos habla del hombre, de su pasado, su presente y su futuro. ¿Nos habla Guzmán de Patricio Guzmán en Nostalgia de la luz?

Entrelazando tres formas de buscar el pasado (astronomía, arqueología y unas mujeres en busca de sus los restos de sus familiares) nos habla de la importancia de la memoria, del pasado como origen común, del afán de comprender el pasado para entender el presente y crear deseos de futuro.
El documental, que empieza de forma fría y ajena con las bellísimas imágenes del firmamento y los observatorios del desierto de Atacama, va dando paso a un estilo más humano y personal. Así una película que en principio parecía de divulgación científica, se convierte en una reflexión profunda e íntima sobre la memoria y el pasado.
Quizás Guzmán quisiera congelar el tiempo, preservar la memoria de su país, de su gente. En un momento de la película se habla de Chile, un país con los mejores instrumentos para profundizar en el pasado del universo pero que no encara su pasado reciente. Y este documental es una forma de congelar esa historia. Y lo hace con imágenes espectaculares, que se pueden tocar, que dan ganas de robar de la pantalla.

En una sesión que impartió Patricio Guzmán a varios alumnos de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra, comentaba que el documental posee esa capacidad de observar, de mirar la realidad con tiempo, con paz. El cineasta que presentó su película en el Festival de Cine Documental Punto de Vista, hablaba por eso de la importancia de convertir los documentales en arte, un arte que surge de la belleza que hay que encontrar en el mundo. El documental Nostalgia de la luz de Guzmán consigue abrir los ojos y anhelar esa Belleza, consigue abrir el espíritu a algo grande. No solo a un paisaje impresionante, a un mundo maravilloso, sino también a la grandeza de los hombres.